Belleza grotesca: McQueen y la Catedral de Notre Dame

“I find beauty in the grotesque, like most artists. I have to force people to look at things.” Alexander McQueen

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            El arte y la moda van y vienen de la mano, nos elevan, nos desafían, nos sorprenden y definitivamente nos mueven el piso, dejándonos expectantes y hambrientos. Bien lo menciona el concepto “Einfühlang”, sientes algo y no sabes cómo describirlo y el buen arte, trata de eso. Y venga en el “envase” en el que venga: pintura, telas, concreto, lo que sea.

El término Avant Garde ha mostrado, comprobado y reafirmado que la innovación en el arte, en la cultura y en este caso en la moda desafía cada uno de nuestros sentidos, quebrando paradigmas e ideas, construyendo nuevas ideas y posteriormente rompiéndolas y qué mejor ejemplo para describir lo anterior que el británico Alexander McQueen el genio de nuestra era.

El maestro, el desafiante, el hambriento y el que rompió todos los paradigmas y los estigmas sociales, McQueen el genio que mostró y reafirmó que la moda no se consume, sino se inhala, se observa, se vive. Alexander McQueen: el místico, impulsivo, riguroso, oscuro, grotesco y maravilloso McQueen. Quien alguna vez dijo “It was about trying to trap something that wasn’t conventionally beautiful to show that beauty comes from within.”

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McQueen y el movimiento gótico se empapan de miles de similitudes, el ícono de la moda reafirmo varias veces que se inspiraba por este movimiento oscuro que se desmenuza en luz y elevación. También como parte de su proceso artístico se revelaba en partes que procuraban evocar la sensualidad y el extremo trágico, siniestro y sadomasoquista de cada persona, citando “People find my things sometimes aggressive. But I don’t see it as aggressive. I see it as romantic, dealing with a dark side of personality.”

Y para mí, esto es lo que evoca McQueen, una serie de reacciones complejas y adversas, complicadas, únicas que en conjunto con el misticismo, la agresión y lo más orgánico se dirigen a cada punto de su observador, dejándonos perplejos.

Éste presente ensayo tiene como objetivo comparar y contrastar el movimiento gótico y el movimiento gótico romántico desde dos puntos que parecieran distintos pero son mucho más afines de lo que se percibe, la moda y la arquitectura, específicamente McQueen y la Catedral de Notre Dame, dos iconos oscuros, trágicos, misteriosos y a la vez sublimes y románticos.

El término gótico deriva de la palabra “godo”, a la que hace referencia a los pueblos bárbaros que consideraban inferiores respecto a la Edad Clásica. Nace como evolución al arte romántico, se sitúa en la Baja Edad Media (siglos XI y XII) y se desarrolla especialmente en Europa: Francia, Alemania e Italia.

Este periodo que se caracteriza por el dinamismo en los diferentes ámbitos políticos, económicos y sociales, en donde Europa se veía en constante contacto con Oriente a través de las Cruzadas y las distintas rutas de comercio.

El autor Jesús A. Manzaneque menciona que dentro de las circunstancias históricas se percibe un desarrollo económico, en donde: la burguesía triunfa, se desarrollan ciudades, el arte es más rico y decorado y también la catedral juega un papel importante en este movimiento. Pese a ser una continuación del periodo romántico (predominio en lo oscuro) este se caracteriza por el uso de luz, color, elevación, expresividad y naturalismo. “Flying buttresses and pointed arces, stained glass windows, and illuminated manuscripts” (Robinson, 1995, p.56)

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Los elementos básicos en la arquitectura son los arcos y las bóvedas, en algunos casos la ligereza estructural y la iluminación en las naves en el interior de los edificios. Como ornamentación, se encuentran bastos elementos que adornan las molduras en los arcos, pilares y paredes a este término se le llama como: Grutesco, que se aplica o pertenece al arte y a la pintura: “dicho de un adorno: de bichos, sabandijas, quimeras y follajes” RAE

Entre las estructuras icónicas del movimiento, se encuentra la Catedral de Notre Dame o Nuestra Señora en Francia, construida por el arquitecto Maurice de Sully (1163 – 1345), situada en la parte este de Ile de la Cité. La catedral surge ligada a las necesidades de la sociedad: elevación espiritual, el contacto y el asenso con la religión y la fe.

Sus dimensiones alcanzan los 130 metros a lo largo por 28 metros de año y una altura total de 69 metros. Contiene 5 naves y 37 capillas y tres rosetones y 113 vidrieras que permiten que entre la luz al edificio.

La fachada presenta tres grandes portales. El Portal del Juicio Final, el más importante al centro, muestra esculturas representando la resurrección de los muertos, un ángel con una balanza pesando virtudes y pecados y demonios que se llevan las almas pecadoras, imágenes que sin duda habrán tenido gran peso en el inconsciente popular en la Edad Media. Los dos portales laterales fueron consagrados a la Virgen María y a Santa Ana. (1)

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En el suelo, la fachada, la roseta y los techos están representados con estatuas, vitrales y distintos elementos que componen la ideología de la Catedral. Como dato importante, esta Catedral ha sido el santuario de innumerables acontecimientos históricos como la coronación de Napoleón Bonaparte, sin embargo también la edificación ha sufrido de bastos actos de vandalismo: varios tesoros y objetos valiosos fueron robados del lugar.

Notre-Dame es probablemente la imagen más famosa del arte gótico francés. La fachada de París (1200-50) parece bloqueada en un patrón severo, con cambios serenos formales y movimiento restringido a fondo. Más bien que generar una fuerte energía vertical, los portales, las ventanas, y la galería de tracería del bloque principal se unen en un cuadrado, subdividido por algunos elementos verticales y horizontales fuertes en un patrón del celdas con las ventana color de rosa en el centro. La fuerza monumental de la fachada es inolvidable, pero su progresividad es menos que obvia. Todavía, está presente en el rigor intelectual, la densidad escultural concentrada, y la progresión sutil del peso y de la textura de más bajo a las partes superiores. Con su plan compacto, cruciforme, su bóveda, y ventanas infinitamente ampliadas, esto se hizo un prototipo para futuras catedrales francesas. (Andrés Pineda Villavizar, 2011) (2)

Parte de las piezas representativas de la construcción, se encuentran las 54 gárgolas y quimeras que se mantienen postradas en el lo alto de ésta, algunos les llaman como las protectoras: diablos, demonios y duendes son tan solo algunos de los seres participes de la magia y el enigma de la catedral.

Estas son figuras misteriosas y tenebrosas que representan la fusión entre lo humano, lo animal y lo místico (demonios y monstruos), muecas burlonas y animales dantescos.

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Algunas leyendas mencionan que estas son protectoras de los malos espíritus por mandato divino o que representan a los demonios huyendo de la iglesia. Otros teóricos también mencionan que las gárgolas simbolizan la parte imperfecta de los humanos. Y otras versiones más practicas explican que la palabra gárgola proviene de la palabra gargoille, que significa garganta y que estas eran usadas como desagüe para expulsar el agua de la lluvia, tal y como los escupitajos o gárgaras.

Palabras como: macabro, siniestro, perturbado, trágico y tétrico emanan al pensar en las gárgolas, muchas veces porque estas poseen características grotescas. Entre otras explicaciones se encuentra una de las leyendas más famosas:

Los turistas en Paris suelen escuchar la leyenda de Juana de Arco. Se relata que la noche en donde la quemaron en la hoguera, las gárgolas despertaron de su sueño de años y arrasaron la ciudad por la noche. Los monstruos alados y cornudos contemplaron desde lo alto la muerte de una inocente; por ello, decidieron vengarla. A la mañana siguiente, cuentan, aparecieron cientos de cadáveres de personas por las calles de París (…) Si el individuo era malévolo, las gárgolas escupían un veneno sobre él que lo mataba; por el contrario, si era una buena persona, los guardianes se encargaban de escupir oro y plata. (3)

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Así mismo, es raro encontrar a una gárgola sola. En esta construcción (y en muchas similares) se encuentran agrupadas en hileras en lo alto de la iglesia (o de los edificios), representando una sociedad o una agrupación de custodia de la fe.

Recalcando la lógica en “cuidadores de la fe” pensando que el mensaje transmitido era educacional “las gárgolas protegen de lo malvado”, “las gárgolas cuidan a los buenos seguidores de la fe” y servía como una forma de enseñanza para el pueblo, las gárgolas terroríficas representan lo que pudiera ocurrirle a los pecadores.

La conmovedora creatividad de McQueen se entrecruza con la fantasía y el misticismo anteriormente mencionado.

El inglés expresaba (y hoy en día la firma) la técnica infalible e intensa en cada una de sus prendas, desafiando las convenciones de la moda y las estructuras de lo que es bello. Alexander, a diferencia de muchos “nombres” en la industria, veía más allá de la ropa y de los estratos físicos, él se aventuraba en las posibilidades imaginativas y se trasladaba en emociones y experiencias personales para darle nacimiento a colecciones y prendas que representaban historias: maltrato, violencia y otro tipo de emociones oscuras entrelazadas con la parte más sublime, delicada y romántica.

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De la misma forma el diseñador encontraba en la naturaleza una inspiración rotunda, es así que se interesaba en la vida de una forma impredecible como los cambios drásticos de clima, las reacciones animales, entre otras. Y al final, era lo que quería presentar en cada colección: lo indomable, espontáneo y lo subversivo que pretendía alterar los sentidos y los parámetros conocidos, de una forma sublime y sensible que afectara a los espectadores, dejándolos siempre con una sensación de insospecho. “McQueen often said that he didn’t care whether you liked his collections or not, as long as you felt something (…) He was deeply political as a designer and I think one of the reasons why McQueen’s collections often were so hard to watch is that they often channeled our cultural anxieties and uncertainties, and that was very much part of his raison d’être.” (5)

El ingles siempre se representó por personificar su expresión creativa por distintos métodos de construcción y corte de prendas, de formas singularmente y extremadamente revolucionarias. “People find my things sometimes aggressive. But I don’t see it as aggressive. I see it as romantic, dealing with a dark side of personality”

La colección “Savage Beauty” fue una de las colecciones más representativas y conmovedoras de la historia de la marca. Se dice que la inspiración se basó en la referencia histórica del siglo XIX: Gótico Victoriano (adjuntando elementos románticos y a la vez horrorosos) y en Edgar Allan Poe, dramatizando con la profundidad de los sentimientos y las historias. En la colección se puede percibir la dualidad entre la vida y la muerte, la ligereza y el peso, la melancolía y la belleza, la luz y por supuesto la oscuridad.

“There has to be a sinister aspect, whether it’s melancholy or sadomasochist. I think everyone has a deep sexuality, and sometimes it’s good to use a little of it –and sometimes a lot of it– like a masquerade.”

 

Alexander McQueen’s romantic sensibilities expanded his imaginary horizons not only temporally but also spatially. As it had been for artists and writers of the Romantic Movement, the lure of the exotic was a central theme in McQueen’s collections. His exoticism was wide-ranging. Africa, China, India and Turkey were all places that sparked his imagination. Japan was particularly significant, both thematically and stylistically. The kimono, especially, was a garment that the designer endlessly reconfigured in his collections.

Indeed, McQueen’s exoticism was often a form of creative translation. Remarking on the direction of his fashions, he once commented, ‘My work will be about taking elements of traditional embroidery, filigree and craftsmanship from countries all over the world. I will explore their crafts, patterns and materials and interpret them in my own way.’ (4)

Los demonios de McQueen y su trágica y atormentada existencia fueron en buena parte la inspiración de varias piezas y colecciones, enredando en ellos historias personales de su caótica historia. El maltrato de su hermana por parte del marido, el abuso sexual de parte de su cuñado o el ser testigo de la violencia doméstica en el hogar. A lo que le llevo al suicidio a sus 40 años. Está claro que McQueen fue un icono y su firma lo representa hoy en día como uno de los artistas geniales y desafiantes de la industria de la moda, pues el juego con las emociones, texturas e historias representan el poder y la de-construcción de todo lo que se conoce previamente, además en mi opinión juega con nuestros estándares de lo que es bello o feo, de lo que incomoda y nos confunde.

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El término grotesco ha sido encasillado y señalado por la sociedad, separado y excluido por términos como belleza y estética, porque nos desafía y no deseamos ser involucrados o representados por este o sus similares, pues no hay acción de identificación, sin embargo se aprende de McQueen, que la genialidad, la belleza y el arte emanan de adentro, en cada pieza u ornamento, en la dualidad, en los contrastes, en los materiales y en la inspiración estética, degenerada e incluso sarcástica.

Hubiera sido este ensayo mucho más sencillo si yo hubiera elegido “El nacimiento de Adan” por Miguel Ángel y hubiera hablado de lo que se ha hablado por siglos, la brillantez de la razón, la iluminación hacia el racionalismo, la separación entre Teocentrismo y el Antropocentrismo… pero al final elegí el contraste, lo que no parece bello a simple vista (el tema polémico e infinito discutido en clase), lo que no encaja con el término de estético. Elegí lo complejo, lo abstracto y aquel tema oscuro que es inabarcable.

Las gárgolas y McQueen, qué cosa.

Magia, mitos, travesía, teorías, explicaciones y al final ambas nos incomodan, nos aterran, nos alejan y a la vez nos mantienen cerca, queriendo responder preguntas, queriendo aclarar ideas y a pesar de ese repudio, algo nos mantiene. Es la esencia, es el trabajo perfecto y ridículamente exacto, es lo que emana, es la sensación de protección, de construcción y es todo eso que representa.

Nos mantiene por los mitos, por el morbo, por los contrastes, por como de a poco se han convertido en iconos. ¿Por qué? y es que quisiera rescatar la cita 5 de algún autor desconocido en el MET “I think one of the reasons why McQueen’s collections often were so hard to watch is that they often channeled our cultural anxieties and uncertainties” ¿por qué iconos? porque nos desafía, nos revuelve en emociones, nos confunde y nos señala en nuestros puntos débiles, en nuestras ansiedades y miedos y creo sinceramente que esa es la razón por la cual, McQueen y la Catedral han subsistido y han dejado huella, son trascendentales, pasan las líneas del tiempo, marcan puntos de referencia, cuentan y analizan a su contexto y son parte representativa del empoderamiento de su respectivo tiempo.

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Elegí una gárgola y un atuendo en específico de la colección Savage Beauty que me trasladaron en un vuelco de emociones y pensamientos. La creatividad, la construcción y el entalle de ambos es ridículamente perfecto, sublime y trascendental, ambos representando la protección, la volatidad, la agresividad pero al mismo tiempo la delicadeza y la estructura fina de una dualidad entre dureza y sensibilidad.

Ambos encarnando las debilidades de la sociedad, los miedos, los limites y al mismo tiempo las aspiraciones de libertad, de desencanto y de desacato y me atrevería a mencionar que lo que observo es lo encasillado y lo desencasillado, los seres volátiles como punto de referencia de la libertad, la seguridad y la forma de vida “sin prejuicios” y por otra parte lo que representa el miedo, que al final nos encasilla y no nos permite volar.

McQueen y Sully, dos genios, más similares que opuestos, separados por siglos y aun así unidos por la emoción, el mito y la trascendencia fundamental en nuestra historia.

 

TEXTO: SOFIA SALAME CHACRA


Referencias:

LIBROS:

Walter Robinson. (1995). Instant Art. Estados Unidos: Bryon Preiss Book.

WEB:

Jesús A. Manzaneque. (2009). Arte gótico. 3 mayo 2016, de I.E.S ciudad real Sitio web: http://almez.pntic.mec.es/~jmac0005/Bach_Arte/diapositivas_pdf/HA07T03_Powerpoint.pdf

(2) No aparece autor. (2014). Catedral de Notre Dame. 7 de Mayo de 2016, de Mega construcciones Sitio web: http://megaconstrucciones.net/?construccion=catedral-notre-dame-paris

(3) No aparece autor. (2000). Rúbrica: Catedral de Notre Dame. 1 mayo de 2016, de Catedral de Notre Dame de Paris Sitio web: http://notredamedeparis.fr/spip.php?rubrique70

(4) No menciona autor. (2011). Alexander McQueen. 3 de Mayo de 2016, de VAM Sitio web: http://www.vam.ac.uk/content/exhibitions/exhibition-alexander-mcqueen-savage-beauty/about-the-exhibition/

(5) No menciona autor. (2011). Savage Beauty. 5 de Mayo de 2016, de MET Sitio web: http://blog.metmuseum.org/alexandermcqueen/about/

Autor: Mujereologia

El blog que vino a revolucionar la vida de las mujeres, el guilty pleasure de los hombres.

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